ANNIE LEIBOVITZ

PRIMERA FOTO OFICIAL DE LA FAMILIA OBAMA EN LA CASA BLANCA (01-09-2009)

Foto: Annie Leibovitz

Anna-Lou «Annie» Leibovitz (Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.¹ En 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año.² En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de «Leyenda viviente».³ En el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos.⁴ En mayo de 2013 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidad. Wikipedia y Fundación Príncipe de Asturias.
Destaca por sus retratos de celebridades tales como la Reina de Inglaterra, La Familia Obama, actores de cine, músicos, etc. También destaca en retrato publicitario.

BREVE ANÁLISIS

Nos encontramos en  la habitación verde de La Casa Blanca recién estrenada por los Obama como nuevos inquilinos. Puede verse reflejada en sus caras la alegría y satisfacción de quienes se saben ganadores del derecho a ocuparla durante los siguientes cuatro años. Era el primer político de raza negra en ser presidente de los Estados Unidos de América, y el cuadragésimocuarto de la historia.

Puede también apreciarse en sus miradas la cercanía y espontaneidad con la que se presentan al mundo, sin pretensiones ni formalismos. Significó una nueva esperanza para la paz en el mundo después de la nefasta gestión del anterior gabinete de Bush. El decorado de la habitación que les acoge no es nada lujoso ni exclusivo, lo que viene a reforzar más la idea de sencillez en el carácter de los retratados. Sin embargo, hay un elemento que sobresale más que el resto y que tiene, desde mi punto de vista, dos interpretaciones: la primera es que, Barak Obama aparece sin chaqueta, lo que refuerza la informalidad y cercanía de la pose, y el otro, más sutil, si cabe, tiene que ver con la distribución tonal de la imagen. Para dirigir la mirada del espectador, Leivobitz colocó a la hija pequeña, vestida de blanco, al lado de Barak  Obama, para potenciar el color blanco de su camisa, a la izquierda, dejando a su esposa e hija mayor a la derecha con el tono más oscuro. De esta manera el peso visual se desplaza hacia el lado izquierdo, donde descansa el protagonismo del presidente.

Néstor Díaz
retratista

MARCOS BAEZA CARRILLO (1858-1915)

UN DOCUMENTO HISTÓRICO Y SOCIOLÓGICO INCUESTIONABLE

Familia portuense (mis ancestros) (Alrededor de 1908)

60X50cm

Marcos Baeza

Marcos Baeza Carrillo (1858-1915) fue el primer pintor y fotógrafo de las Islas Canarias. Nació en el Puerto de la Cruz, isla de Tenerife, manifestando desde su infancia su inclinación hacia las artes plásticas. La difícil situación familiar hacía imposible que Baeza pudiese tener una formación artística conveniente; sin embargo, la actuación desinteresada de algunas personas de prestigio que conocían sus habilidades y, posteriormente, una subvención de quinientas pesetas del Ayuntamiento del Puerto de la Cruz, lograron que Baeza pudiese cursar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid de 1877 a 1879 (...)

(...) No será hasta 1890, cuando Baeza anuncie por primera vez su taller de fotografía, establecido en la calle Cabeza, 32. En 1896, había trasladado su estudio a la calle de la Hoya, 10. Al año siguiente, inauguró otro taller fotográfico en La Orotava (calle del Balcón, 11), regresando de nuevo al Puerto de la Cruz a finales de ese mismo año, puesto que sólo estuvo seis meses en aquella población. En 1912, llegó a disponer de dos estudios: el ya señalado de la calle de la Hoya y otro en el número 8 de la calle de San Juan (...). La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Carmelo Vega. Tomo I. Los fotógrafos en el estudio.

Carmelo Vega de la Rosa

Profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de La Laguna.

BREVE ANÁLISIS

Lo primero de todo es que esta imagen guarda para mí un significado especial por ser la imagen más antigua que poseo de los ancestros de mi familia: mi bisabuela paterna con sus hijos; la niña pequeña sentada es mi abuela y su hermano mayor. El lugar de la toma fue realizada en el patio de la casa familiar, que ésta tenía en la calle Cabeza del Puerto de la Cruz. Seguramente el fotógrafo tenía una relación estrecha con la familia.

Teniendo en cuenta que los fotógrafos de la época empezaban su carrera como pintores antes de pasarse a la fotografía, es importante señalar que antes, como ahora, las fotografías se retocaban para compensar el defecto de las ópticas en la captación de la imagen, reforzando los elementos ya existentes e incluso añadiendo otros nuevos. Por ello, si un medallón, un rostro o un atrezzo no era reflejado convenientemente, el pintor, a posteriori, se reservaba el privilegio de retocar la imagen para dejarla al gusto del cliente, y éste es un ejemplo palpable.

 

 

Obsérvese como el cuello de la blusa y el medallón han sido pintados. Los ojos y el pelo han recibido unas pinceladas para ganar más contraste.

El medallón ha sido pintado y tanto los ojos como el cabello han sido repasados ligeramente por el pincel.

En este caso la garganta y los ojos reciben también el toque maestro del pintor-fotógrafo.

Pinceladas de una supuesta planta para rellenar la parte superior derecha del fondo

Evidentemente retratarse era todo un acontecimiento novedoso en aquella época y los clientes se vestían con sus mejores galas, que no eran precisamente abundantes. En este caso, la madre era medianera y, en mi opinión, la familia poseía una condición económica más o menos desahogada que puede apreciarse en el tipo de vestimenta que llevaban y que les permitía pagar para un retrato familiar, teniendo en cuenta que eran años de escasez.

Como puede apreciarse, una mujer viuda marca su carácter en su entrega total a su familia, y eso se refleja en esta imagen. Más que retratarse para un recuerdo familiar, ella pretendía reflejar ese amor y orgullo que sentía por quienes eran lo más preciado.

La imagen refleja una gran serenidad en las miradas; la de la niña es una mirada cándida propia de la edad. Ésta está colocada en una posición predominante y sentada en una silla al frente; es el ser más vulnerable que hay que proteger junto a su hermano, en contraste con la madre que aparece en un segundo plano, dando todo el protagonismo a sus hijos. El punto de vista a la altura de los ojos refuerza toda esta sensación de equilibrio visual.

Es una fotografía tomada con una cámara de gran formato con luz natural, y la imagen forma un triángulo imaginario, lo que refuerza el equilibrio compositivo propiamente dicho. Destaca la profundidad de campo y la perspectiva muy marcada con respecto al fondo.

NéstorDíaz 

retratista

DOROTHEA LANGE

MADRE MIGRANTE. NIPPOMO, CALIFORNIA, 1936.

Dorothea Lange

Dorothea Lange (25 de mayo de 1895, Hoboken, EE.UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE.UU.) fue una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria (F.S.A). Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. (wikipedia)

BREVE ANÁLISIS

Considerada como la imagen icónica de la época de la "Gran Depresión", La Madre Migrante refleja la situación de desesperanza que experimentaron las clases más desfavorecidas de Estados Unidos en las zonas rurales.

Vemos a una madre con sus hijos pequeños dentro de una tienda de campaña del campamento de refugiados de Nippomo. Los hijos abrazados a ella ocultan sus rostros, dando la espalda a un mundo hostil e injusto, que no comprenden en absoluto. Ella, sin embargo, tiene la mirada perdida con el rostro prematuramente envejecido, la mano derecha ligeramente apoyada en la barbilla, intentado averiguar como conseguir la próxima comida para sus hijos.  Dorothea Lange tomó la imagen de cerca e incluso intercambió algunas palabras con la retratada, pero no es ni mucho menos una pose premeditada; todo lo que se aprecia en la imagen es real y espontáneo. 

Las líneas de tensión son muy características en esta imagen: las arrugas en la cara de la mujer, las líneas diagonales que forman los niños a los lados de ella, intentando buscar protección, el brazo y la mano de ella tocando ligeramente la cara, mientras reflexiona acerca de sus circunstancias. En realidad todo refleja tensión en extremo.

Néstor Díaz

DIANE ARBUS

GEMELAS IDÉNTICAS (1967)

Diane Arbus

Diane Arbus  ( 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas (...), gemelos, enfermos mentales, gigantes (...)

(...)

 Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Wikipedia

BREVE ANÁLISIS

En esta imagen realizada por Diane Arbus en 1967 vemos a dos niñas gemelas vestidas de igual manera ante una pared blanca en lo que parece ser un patio. Decir, que esta imagen inspiró a Stanley Kubrick para la célebre escena de El Resplandor.

Ante la aparente igualdad de rasgos de ambas niñas, éstas tienen miradas distintas. La de la derecha es una mirada serena y alegre, mientras la de la izquierda es más tensa e infeliz. El entorno es una metáfora de la soledad: frío y lúgubre. Ésta les afecta de manera desigual a ambas. Nos habla de cómo los entornos hostiles afectan a las personas y de como son afrontados por éstas. Las niñas son presentadas frente a la cámara sin ningún tipo de pose predeterminada, en la que hay un paralelismo, no sólo de parentesco, sino de vestimenta e incluso de pose, si es que la hay. Evidentemente, es sólo un paralelismo aparente, que no se aprecia en la mirada, en la que se atisba una diferencia sustancial en cuanto a caracteres psicológicos y experiencias vitales vividas. Como podemos ver, las niñas pueden inspirarnos ternura, a primera vista, pero si contemplamos previamente la obra de Arbus, nuestra percepción subjetiva puede cambiar, condicionada por el conocimiento de su obra o por la película de Kubrick, de donde pasamos de la ternura al rechazo, o al miedo.

Esto quiere decir que la lectura de una imagen se percibe de diferente manera, según sea el contexto espacio-temporal; lugar y época en la que se contempla, experiencias personales vividas, educación y cultura adquirida, coyuntura económica que vivimos, y clase social a la que pertenecemos, etc.

Néstor Díaz

RETRATISTAS CANARIOS DEL SIGLO XX

TRINO GARRIGA RODA (1896-1988)

Angel Díaz Afonso (1900-1940)

Con uniforme de la 9ª Batería de Costa de las Tropas de Artllería de Comandancia de Tenerife.

(El abuelo de un servidor)

Trino Garriga pertenece a la generación  de fotógrafos de la década prodigiosa de los años 20  que se instalaron en Tenerife: Ernesto Baena, Adalberto Benitez, Trino Garriga Roda, etc. Podrían contabilizarse más de veinte fotógrafos con sus estudios instalados en Santa Cruz (...). Trino Garriga Roda (1896-1988) fue otro de los autores cuya actividad se adapta perfectamente al perfil característico (...) del fotógrafo de este  período que compaginaba su trabajo en el estudio como retratista con sus colaboraciones como reportero de prensa. (La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Tomo I. Los fotógrafos en el estudio. 1995. Carmelo Vega de la Rosa).

Trino Garriga instaló en 1921 su Galería Fotográfica en la calle San José, 1, donde se mantuvo durante cuatro décadas ((La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Tomo I. Los fotógrafos en el estudio. 1995. Carmelo Vega de la Rosa).

BREVE ANÁLISIS

Esta imagen fue realizada por Trino Garriga en sus comienzos, alrededor de 1922, en su estudio de la Calle San José nº 1 de Santa Cruz de Tenerife. Puede verse el atrezzo del fondo, simulando perspectiva y en primer término, con una pose altiva, el retrato en formato vertical del recluta con uniforme de artillería. Ligeramente ladeado, mira a la cámara con una mano en el bolsillo y la otra sosteniendo el uniforme. Su mirada es tímida y insegura, expectante ante la nueva etapa que comienza en su vida.

Esta tradición de fotografiarse con el uniforme de recluta era muy normal en aquella época y que duró hasta finales del siglo. Significaba una ocasión de orgullo para el retratado y para la familia; un acontecimiento único en su vida, todo envuelto en un halo de orgullo personal y deber  patriótico.

Néstor Díaz