NÉSTORDÍAZ: 2013

jueves, 19 de diciembre de 2013

EL EXPOLIO DEL COLTÁN. POR JUDITH PRAT

Judith Prat

LA EXPLOTACIÓN DE LOS RECURSOS DEL TERCER MUNDO Y SU ABUSO.

jueves, 5 de diciembre de 2013

ANNIE LEIBOVITZ

PRIMERA FOTO OFICIAL DE LA FAMILIA OBAMA EN LA CASA BLANCA (01-09-2009)

Foto: Annie Leibovitz

Anna-Lou «Annie» Leibovitz (Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.¹ En 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año.² En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de «Leyenda viviente».³ En el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos.⁴ En mayo de 2013 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidad. Wikipedia y Fundación Príncipe de Asturias.
Destaca por sus retratos de celebridades tales como la Reina de Inglaterra, La Familia Obama, actores de cine, músicos, etc. También destaca en retrato publicitario.

BREVE ANÁLISIS

Nos encontramos en la habitación verde de La Casa Blanca recién estrenada por los Obama como nuevos inquilinos. Puede verse reflejada en sus caras la alegría y satisfacción de quienes se saben ganadores del derecho a ocuparla durante los siguientes cuatro años. Era el primer político de raza negra en ser presidente de los Estados Unidos de América, y el cuadragésimocuarto de la historia.

Puede también apreciarse en sus miradas la cercanía y espontaneidad con la que se presentan al mundo, sin pretensiones ni formalismos. Significó una nueva esperanza para la paz en el mundo después de la nefasta gestión del anterior gabinete de Bush. El decorado de la habitación que les acoge no es nada lujoso ni exclusivo, lo que viene a reforzar más la idea de sencillez en el carácter de los retratados. Sin embargo, hay un elemento que sobresale más que el resto y que tiene, desde mi punto de vista, dos interpretaciones: la primera es que, Barak Obama aparece sin chaqueta, lo que refuerza la informalidad y cercanía de la pose, y el otro, más sutil, si cabe, tiene que ver con la distribución tonal de la imagen. Para dirigir la mirada del espectador, Leivobitz colocó a la hija pequeña, vestida de blanco, al lado de Barak Obama, para potenciar el color blanco de su camisa, a la izquierda, dejando a su esposa e hija mayor a la derecha con el tono más oscuro. De esta manera el peso visual se desplaza hacia el lado izquierdo, donde descansa el protagonismo del presidente.

Néstor Díaz
retratista

miércoles, 20 de noviembre de 2013

MARCOS BAEZA CARRILLO (1858-1915)

UN DOCUMENTO HISTÓRICO Y SOCIOLÓGICO INCUESTIONABLE

Familia portuense (mis ancestros) (Alrededor de 1908)

60X50cm

Marcos Baeza

Marcos Baeza Carrillo (1858-1915) fue el primer pintor y fotógrafo de las Islas Canarias. Nació en el Puerto de la Cruz, isla de Tenerife, manifestando desde su infancia su inclinación hacia las artes plásticas. La difícil situación familiar hacía imposible que Baeza pudiese tener una formación artística conveniente; sin embargo, la actuación desinteresada de algunas personas de prestigio que conocían sus habilidades y, posteriormente, una subvención de quinientas pesetas del Ayuntamiento del Puerto de la Cruz, lograron que Baeza pudiese cursar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid de 1877 a 1879 (...)

(...) No será hasta 1890, cuando Baeza anuncie por primera vez su taller de fotografía, establecido en la calle Cabeza, 32. En 1896, había trasladado su estudio a la calle de la Hoya, 10. Al año siguiente, inauguró otro taller fotográfico en La Orotava (calle del Balcón, 11), regresando de nuevo al Puerto de la Cruz a finales de ese mismo año, puesto que sólo estuvo seis meses en aquella población. En 1912, llegó a disponer de dos estudios: el ya señalado de la calle de la Hoya y otro en el número 8 de la calle de San Juan (...). La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Carmelo Vega. Tomo I. Los fotógrafos en el estudio.

Carmelo Vega de la Rosa

Profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de La Laguna.

BREVE ANÁLISIS

Lo primero de todo es que esta imagen guarda para mí un significado especial por ser la imagen más antigua que poseo de los ancestros de mi familia: mi bisabuela paterna con sus hijos; la niña pequeña sentada es mi abuela y su hermano mayor. El lugar de la toma fue realizada en el patio de la casa familiar, que ésta tenía en la calle Cabeza del Puerto de la Cruz. Seguramente el fotógrafo tenía una relación estrecha con la familia.

Teniendo en cuenta que los fotógrafos de la época empezaban su carrera como pintores antes de pasarse a la fotografía, es importante señalar que antes, como ahora, las fotografías se retocaban para compensar el defecto de las ópticas en la captación de la imagen, reforzando los elementos ya existentes e incluso añadiendo otros nuevos. Por ello, si un medallón, un rostro o un atrezzo no era reflejado convenientemente, el pintor, a posteriori, se reservaba el privilegio de retocar la imagen para dejarla al gusto del cliente, y éste es un ejemplo palpable.

Obsérvese como el cuello de la blusa y el medallón han sido pintados. Los ojos y el pelo han recibido unas pinceladas para ganar más contraste.

El medallón ha sido pintado y tanto los ojos como el cabello han sido repasados ligeramente por el pincel.

En este caso la garganta y los ojos reciben también el toque maestro del pintor-fotógrafo.

Pinceladas de una supuesta planta para rellenar la parte superior derecha del fondo

Evidentemente retratarse era todo un acontecimiento novedoso en aquella época y los clientes se vestían con sus mejores galas, que no eran precisamente abundantes. En este caso, la madre era medianera y, en mi opinión, la familia poseía una condición económica más o menos desahogada que puede apreciarse en el tipo de vestimenta que llevaban y que les permitía pagar para un retrato familiar, teniendo en cuenta que eran años de escasez.

Como puede apreciarse, una mujer viuda marca su carácter en su entrega total a su familia, y eso se refleja en esta imagen. Más que retratarse para un recuerdo familiar, ella pretendía reflejar ese amor y orgullo que sentía por quienes eran lo más preciado.

La imagen refleja una gran serenidad en las miradas; la de la niña es una mirada cándida propia de la edad. Ésta está colocada en una posición predominante y sentada en una silla al frente; es el ser más vulnerable que hay que proteger junto a su hermano, en contraste con la madre que aparece en un segundo plano, dando todo el protagonismo a sus hijos. El punto de vista a la altura de los ojos refuerza toda esta sensación de equilibrio visual.

Es una fotografía tomada con una cámara de gran formato con luz natural, y la imagen forma un triángulo imaginario, lo que refuerza el equilibrio compositivo propiamente dicho. Destaca la profundidad de campo y la perspectiva muy marcada con respecto al fondo.

NéstorDíaz

retratista

martes, 12 de noviembre de 2013

DOROTHEA LANGE

MADRE MIGRANTE. NIPPOMO, CALIFORNIA, 1936.

Dorothea Lange

Dorothea Lange (25 de mayo de 1895, Hoboken, EE.UU. - 11 de octubre de 1965, San Francisco, EE.UU.) fue una influyente fotoperiodista documental, mejor conocida por su obra la "Gran Depresión" para la oficina de Administración de Seguridad Agraria (F.S.A). Las fotografías humanistas de Lange sobre las terribles consecuencias de la Gran Depresión la convirtieron en una de las periodistas más destacadas del fotoperiodismo mundial. (wikipedia)

BREVE ANÁLISIS

Considerada como la imagen icónica de la época de la "Gran Depresión", La Madre Migrante refleja la situación de desesperanza que experimentaron las clases más desfavorecidas de Estados Unidos en las zonas rurales.

Vemos a una madre con sus hijos pequeños dentro de una tienda de campaña del campamento de refugiados de Nippomo. Los hijos abrazados a ella ocultan sus rostros, dando la espalda a un mundo hostil e injusto, que no comprenden en absoluto. Ella, sin embargo, tiene la mirada perdida con el rostro prematuramente envejecido, la mano derecha ligeramente apoyada en la barbilla, intentado averiguar como conseguir la próxima comida para sus hijos. Dorothea Lange tomó la imagen de cerca e incluso intercambió algunas palabras con la retratada, pero no es ni mucho menos una pose premeditada; todo lo que se aprecia en la imagen es real y espontáneo.

Las líneas de tensión son muy características en esta imagen: las arrugas en la cara de la mujer, las líneas diagonales que forman los niños a los lados de ella, intentando buscar protección, el brazo y la mano de ella tocando ligeramente la cara, mientras reflexiona acerca de sus circunstancias. En realidad todo refleja tensión en extremo.

Néstor Díaz

jueves, 24 de octubre de 2013

DIANE ARBUS

GEMELAS IDÉNTICAS (1967)

Diane Arbus

Diane Arbus ( 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas (...), gemelos, enfermos mentales, gigantes (...)

(...)

Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza". Fue pionera del flash de relleno (flash de día). La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Wikipedia

BREVE ANÁLISIS

En esta imagen realizada por Diane Arbus en 1967 vemos a dos niñas gemelas vestidas de igual manera ante una pared blanca en lo que parece ser un patio. Decir, que esta imagen inspiró a Stanley Kubrick para la célebre escena de El Resplandor.

Ante la aparente igualdad de rasgos de ambas niñas, éstas tienen miradas distintas. La de la derecha es una mirada serena y alegre, mientras la de la izquierda es más tensa e infeliz. El entorno es una metáfora de la soledad: frío y lúgubre. Ésta les afecta de manera desigual a ambas. Nos habla de cómo los entornos hostiles afectan a las personas y de como son afrontados por éstas. Las niñas son presentadas frente a la cámara sin ningún tipo de pose predeterminada, en la que hay un paralelismo, no sólo de parentesco, sino de vestimenta e incluso de pose, si es que la hay. Evidentemente, es sólo un paralelismo aparente, que no se aprecia en la mirada, en la que se atisba una diferencia sustancial en cuanto a caracteres psicológicos y experiencias vitales vividas. Como podemos ver, las niñas pueden inspirarnos ternura, a primera vista, pero si contemplamos previamente la obra de Arbus, nuestra percepción subjetiva puede cambiar, condicionada por el conocimiento de su obra o por la película de Kubrick, de donde pasamos de la ternura al rechazo, o al miedo.

Esto quiere decir que la lectura de una imagen se percibe de diferente manera, según sea el contexto espacio-temporal; lugar y época en la que se contempla, experiencias personales vividas, educación y cultura adquirida, coyuntura económica que vivimos, y clase social a la que pertenecemos, etc.

Néstor Díaz

sábado, 5 de octubre de 2013

RETRATISTAS CANARIOS DEL SIGLO XX

TRINO GARRIGA RODA (1896-1988)

Angel Díaz Afonso (1900-1940)

Con uniforme de la 9ª Batería de Costa de las Tropas de Artllería de Comandancia de Tenerife.

(El abuelo de un servidor)

Trino Garriga pertenece a la generación de fotógrafos de la década prodigiosa de los años 20 que se instalaron en Tenerife: Ernesto Baena, Adalberto Benitez, Trino Garriga Roda, etc. Podrían contabilizarse más de veinte fotógrafos con sus estudios instalados en Santa Cruz (...). Trino Garriga Roda (1896-1988) fue otro de los autores cuya actividad se adapta perfectamente al perfil característico (...) del fotógrafo de este período que compaginaba su trabajo en el estudio como retratista con sus colaboraciones como reportero de prensa. (La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Tomo I. Los fotógrafos en el estudio. 1995. Carmelo Vega de la Rosa).

Trino Garriga instaló en 1921 su Galería Fotográfica en la calle San José, 1, donde se mantuvo durante cuatro décadas ((La Isla Mirada. Tenerife y la Fotografía (1839-1939). Tomo I. Los fotógrafos en el estudio. 1995. Carmelo Vega de la Rosa).

BREVE ANÁLISIS

Esta imagen fue realizada por Trino Garriga en sus comienzos, alrededor de 1922, en su estudio de la Calle San José nº 1 de Santa Cruz de Tenerife. Puede verse el atrezzo del fondo, simulando perspectiva y en primer término, con una pose altiva, el retrato en formato vertical del recluta con uniforme de artillería. Ligeramente ladeado, mira a la cámara con una mano en el bolsillo y la otra sosteniendo el uniforme. Su mirada es tímida y insegura, expectante ante la nueva etapa que comienza en su vida.

Esta tradición de fotografiarse con el uniforme de recluta era muy normal en aquella época y que duró hasta finales del siglo. Significaba una ocasión de orgullo para el retratado y para la familia; un acontecimiento único en su vida, todo envuelto en un halo de orgullo personal y deber patriótico.

Néstor Díaz

lunes, 30 de septiembre de 2013

HOMBRES DEL SIGLO XX

August Sander

August Sander fue un extraordinario retratista alemán (1876-1964). Comenzó fotografiando a trabajadores y campesinos de una conocida zona de su infancia (Westerwald). Ésta sería el punto de partida de una iniciativa más ambiciosa que desembocaría durante la República de Weimar y el posterior ascenso del nazismo en Alemania, con Hombres del siglo XX; un catálogo sociológico de la sociedad alemana de esa época. La serie se divide en siete secciones con casi todas las clases sociales.

BREVE ANÁLISIS

Aquí vemos una imagen de su primera etapa de Westerwald, pero que atisba ya un marcado estilo que se concretaría más tarde con la mencionada serie Hombres del Siglo XX. Pastelero posando y sosteniendo una cacerola en plena faena culinaria en su lugar habitual de trabajo.

La imagen está realizada en formato vertical. La mirada del cocinero es aparentemente serena, pero no exenta de incertidumbre, que no acierta a precisar el oscuro futuro al que se avoca el país con el estallido de la Primera Guerra Mundial y la consiguiente crisis económica a finales de los años 20. Sin embargo, su postura erguida y la firmeza con la que sostiene los instrumentos de cocina le confieren la seguridad que únicamente parece atesorar. El entorno parece ajeno a él, distante e ilegible. Apenas se percibe los elementos circundantes, ligeramente desenfocados. Todo esto y el acusado contraste tonal entre la bata del cocinero y el entorno incrementa el aislamiento del retratado.

Néstor Díaz

CURSO DE ILUMINACIÓN BÁSICO CON EL FOTÓGRAFO TONI DE ROS

lunes, 23 de septiembre de 2013

¿QUÉ ES ESO DEL FACTOR DE CONVERSIÓN DE LOS SENSORES DIGITALES?

Muchas veces hemos oído hablar del formato de los sensores APS-C y FULL FRAME que son los más conocidos. Pero, ¿Qué tiene que ver eso con el factor de conversión? Bueno, pues todo responde a una simple operación matemática. Si tenemos una cámara con sensor APS-C, esto es, sensores con un tamaño (Advanced Photo System, Sistema Avanzado de Fotografía tipo C Classic) de aproximadamente 22 X 15 mm y queremos utilizar un objetivo con distancia focal de 18mm, tenemos que pensar que estamos aplicando una distancia focal real de 28mm en el caso de Canon: esta compañía aplica un factor de conversión de 1,6. De ahí hacemos la siguiente operación:

18mm X 1,6 = 28mm Canon
18mm X 1,5 = 27mm Nikon
18mm X 2 = 36mm Olympus ( sensor 4/3)
18mm X 1,3 = 23mm Canon (sensor APS-H)
18mm X 1,7 = 30mm Sigma (sensor Foveon X3)

.....

En el caso de sensores FULL-FRAME con un tamaño de 24 X 36 mm (el mismo tamaño para el fotograma de los carretes de película) la cosa es más sencilla, porque no hay que hacer ningún cálculo. FULL FRAME tiene un factor de conversión de 1X. Eso significa que si le aplicamos un objetivo cuya distancia focal es 50 mm, esa será su distancia focal real.

Néstor Díaz

lunes, 16 de septiembre de 2013

LA FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL ESTÁ EN CUALQUIER ESQUINA

Cuando salimos a la calle con la intención de registrar con la cámara un suceso, o una imagen espontánea, nos frustramos porque no damos con ella, o no se dan las circunstancias adecuadas para la captura. Y es verdad. A mí me ha pasado ¿Cuál es la solución para hacer buenas fotos de calle y que transmitan el mensaje que queremos difundir?

Bueno pues la clave de todo esto es ir con una temática en mente y seguirla a rajatabla. Por ejemplo, si queremos reflejar la soledad en las ciudades y sus contradicciones, nos ceñimos a buscar aquellas situaciones que nos permitan expresar nuestra idea con la cámara. Si queremos fotografiar situaciones graciosas y desenfadadas, nos centramos en esa temática.

El anciano sentado frente a la ventana con la cara oculta y el edificio, con esas líneas rectas que se entrecruzan unas con otras, nos da una sensación de frialdad, aislamiento y hermetismo.

En esta imagen se percibe los dos polos opuestos de una ciudad: pobreza a la derecha, representada por el mendigo, y bienestar a la izquierda, en la figura del ciclista que toma el sol plácidamente a la orilla del lago.

Aquí nos encontramos a una turista que camina por la plaza a pleno sol sosteniendo un paraguas para protegerse y no precisamente de la lluvia. Es una imagen simpática y llena de humor. A mí personalmente me recuerda a las fotos que hace Martin Parr, con su ironía y sentido del humor con que capta el estilo de vida de los británicos.

Néstor Díaz

sábado, 14 de septiembre de 2013

RETRATOS DE LA MOVIDA MADRILEÑA

Alberto García Alix

(Fuente: "De donde no se vuelve")

Los retratos de Alberto García Alix son muy conocidos. A lo largo de su dilatada carrera ha fotografiado a diferentes personalidades internacionales y nacionales, especialmente en la etapa del conocido movimiento cultural la Movida Madrileña, en la que, inspirándose en los tatuajes, la noche, las motos y la música, retrató a artistas como Pedro Almodóvar, Enma Suárez, Rossy de Palma, etc.

Al mismo tiempo destaca sus retratos de desnudos sobreactuados y con una gran fuerza expresiva.

BREVE ANÁLISIS

En esta imagen de formato cuadrado, probablemente hecha con una de sus cámaras de formato medio Hasselblad, vemos a una pareja de motoristas en la época de La Movida, allá por 1986, posando orgullosamente con su Harley Davidson. Ella sentada en la moto y él de pie tras ella. Los dos miran a la cámara orgullosamente. En ellos se percibe el ambiente de libertad y transgresión que se vivía en aquella época. En la imagen hay poca tensión en las líneas, tan sólo la pierna derecha de la chica, con su línea de tensión, denota una postura liberada y sin recatos. La vestimenta de ambos es un factor descriptivo para expresar la rebeldía de aquellos años. Como telón de fondo, vemos en primer lugar, una baranda de carretera y un parque detrás, todo ello para contextualizar el carácter urbano de La Movida Madrileña.

Néstor Díaz

jueves, 5 de septiembre de 2013

POR FIN LLEGA EL ESPERADO OBJETIVO FUJIFILM XF 23mm 1.4f

Hacía tiempo que esperábamos la prometida óptica de la compañía. Ahora podremos disfrutar de la auténtica fotografía callejera en 35mm (23mm equivale a 35mm de los antiguos carretes de película) (http://www.fujifilm.eu/es/productos/camaras-digitales/objetivos-de-montura-fujinon-x/) con los cuerpos que Fujifilm tiene en el mercado: X-Pro1 y X-E1. Dicha distancia focal es, por su versatilidad, muy recomendable también para retratos.

http://www.xatakafoto.com/fujifilm/fujifilm-amplia-su-gama-de-objetivos-con-el-esperado-fujinon-xf-23-mm

miércoles, 4 de septiembre de 2013

CONSEJOS PARA HACER BUENOS RETRATOS

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/consejos-para-conseguir-buenos-retratos-para-principiantes

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/conseguir-hacer-buenos-retratos-con-la-unica-ayuda-de-luz-natural-difusa

http://www.xatakafoto.com/espaciocanon/retratos-el-arte-de-fotografiar-a-las-personas

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/cinco-consejos-para-hacer-que-tus-retratos-en-primer-plano-sean-mas-espectaculares

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/consejos-para-hacer-retratos-nocturnos

http://www.xatakafoto.com/guias/que-objetivo-utilizar-para-retratos

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/realizar-un-retrato-con-un-solo-flash-como-contraluz

lunes, 19 de agosto de 2013

WOODY ALLEN

Arnold Newman

www.arnoldnewmanarchive.com

Este es un típico ejemplo de retrato ambiental de Woody Allen recostado cómodamente en su cama y rodeado de borradores de guiones en el momento clave de su actividad creadora.

BREVE ANÁLISIS

Indudablemente esta imagen describe la actividad profesional de este director de cine tan influyente en el arte del siglo XX. Es una instantánea en la que hay una pose predeterminada, en la que Allen daba sus últimos retoques al guión de una de sus afamadas películas. Newman se limitó a captar el carácter esencial del artista, construyendo un retrato ambientado en su dormitorio en una pausa de rodaje. La mano derecha suspendida y la boca entreabierta reflejan, ese carácter introspectivo, contradictorio y neurótico de Allen; esa mirada triste detrás de esas gafas de pasta tan omnipresentes, esas cejas arqueadas y la frente arrugada reflejan todo el cine del director, donde la complejidad vital de la existencia es una constante en sus obras.

Todo ello está potenciado por las líneas diagonales, como la que describen la cabeza ladeada y los brazos, acentuando esa tensión creativa.

Es una toma muy cerrada en la que el fotógrafo hace uso del gran angular para introducir la mayor cantidad de referentes en la escena que es una constante en toda su obra.

Como hecho curioso esta fotografía fue elegida como portada del libro Arnold Newman editado en el año 2000.

Néstor Díaz

viernes, 16 de agosto de 2013

IGOR STRAVINSKY

Arnold Newman

Esta imagen tomada al famoso compositor ruso es de una genialidad asombrosa, conjugando líneas rectas, curvas, con tonos negros, grises y blancos..

BREVE ANÁLISIS

Contemplando la imagen lo primero que nos sorprende es la situación del retratado en una esquina del encuadre, perdiendo aparentemente protagonismo. Sin embargo, y como consecuencia del reencuadre del autor, aquel no pierde significado gracias al piano de cola que, con su curiosa forma de nota musical, nos habla de la profesión de Stravinsky, estableciendo un paralelismo geométrico y musical entre ambos; por ejemplo, la línea curva de la nota se asemeja, en su disposición, al brazo del compositor en similar postura. Al mismo tiempo, el triángulo que observamos entre ambos elementos, se asemeja a la forma cuasitriangular del retratado. En definitiva, Arnold Newman conjugó de una manera ingeniosa, los elementos humano y material, siendo éstos una extensión de la personalidad de aquel.

Destaca también la yuxtaposición de tres tonos: el negro, el gris y el blanco, colocados para guardar el contraste necesario equilibrando la imagen.

Néstor Díaz

viernes, 9 de agosto de 2013

JOHN KENNEDY

Arnold Newman

http://www.arnoldnewmanarchive.com

Esta imagen de John Fitzgerald Kennedy fue tomada por Arnold Newman, antes de acceder a la Casa Blanca cuando era senador.

BREVE ANÁLISIS

Como puede verse, la solemnidad de este retrato anticipa la grandeza del que iba a ser presidente de USA de 1961 a 1963. Su corta carrera en la presidencia fue brutalmente interrumpida por su asesinato en Dallas, lo que le convirtió en un mito.

Esta imagen fue tomada con una óptica gran angular por lo que sobresalen las líneas verticales con una ligera inclinación de la perspectiva. Como vemos, la fachada arquitectónica de marcado acento grecorromano imprime a la imagen un carácter institucional y, al mismo tiempo heroico, debido a la presencia del histórico personaje.

En la esquina inferior derecha vemos a Kennedy ligeramente apoyado en la base de la columna y con la mirada perdida en el horizonte que no sale en la foto (fuera de campo). Su pose con un ligero escorso, le da al personaje ese carácter de liderazgo y determinación que caracterizó toda su carrera política. Esa mirada resume la personalidad de Kennedy. Un hombre que sueña con una América más próspera y justa, donde todos, blancos y negros tienen los mismos derechos.

Tambien se podría interpretar la foto de esta otra forma, pero con el mismo significado: frente a un mundo convencional donde rigen las líneas rectas y la simetría y todo está determinado, surge la figura del político que es capaz de formar con su pose una postura semicurva como antítesis, en la cual da la espalda a un mundo oscuro y vacío para buscar nuevos horizontes para el cambio.

Néstor Díaz

viernes, 2 de agosto de 2013

ALFRED KRUPP (1963)

Arnold Newman

www.arnoldnewmanarchive.com

El éxito de las empresas fundadas por Friedrich Krupp y llevadas a su florecimiento comercial por su hijo Alfred (de quien heredaría Friedrich Alfred Krupp), así como el gran tamaño de las fábricas Krupp, forjaron decisivamente la imagen de la ciudad de Essen desde la segunda industrialización alemana hasta el fin de la Segunda Guerra Mundial.

Los Krupp se relacionaron estrechamente (salvo durante la República de Weimar) con todos los gobernantes alemanes, desde Guillermo I hasta Konrad Adenauer. Las armas producidas por ellos protagonizaron las guerras europeas desde 1866 hasta 1945.

Fuente wikipedia.

BREVE ANÁLISIS

Como todos los retratos de Arnold Newman, los personajes son retratados en su entorno natural, donde su personalidad adquiere toda su autenticidad.

Alfred Krupp aparece sentado frente a la cámara en actitud serena pero, al mismo tiempo desafiante. Es el heredero de la que fue la mayor empresa de Europa.

Toda la imagen presenta simetría en sus líneas no exentas de tensión entre líneas triangulares y rectangulares. Se aprecia el enorme contraste entre el primer plano en claroscuro y el fondo iluminado por la luz que entra por las ventanas y las claraboyas. En el primer plano,la iluminación lateral a ambos lados del rostro, produce un efecto siniestro y desafiante en la mirada del industrial, como si quisiera ocultar la actividad de su empresa en momentos delicados de la historia de su país, cuando colaboró con el régimen nazi. Las líneas oblicuas de los brazos atribuyen un toque de dinamismo y audacia en la personalidad del retratado, que se extiende detrás de él en las líneas igualmente oblicuas del fondo que acentúan la perspectiva. Además esa forma triangular refleja serenidad y confianza al magnate, enmarcado aquí con las líneas rectas de las columnas tras él. El fondo vislumbra la incesante actividad de la fábrica de ferrocarriles.

Néstor Díaz

viernes, 26 de julio de 2013

THE AMERICANS

Robert Frank

www.caborian.com

Robert Frank captó, en su obra The Americans, la América profunda. Imágenes llenas de un fuerte contenido social, en el que subyace una fuerte crítica al ideal de vida norteamericano, coincidiendo con la presidencia de Eisenhower a finales de los años 50. Por esta postura, fue tachado de antiamericano por la opinión pública. Fue, sin embargo muy bien acogido por los jóvenes de su tiempo decepcionados por la agresiva sociedad de consumo. Hemos de tener en cuenta que a Frank no le interesaba el momento decisivo que haría famoso a Cartier Bresson. Sino los que no lo son, o sea los irrelevantes, porque según él, es ahí donde reside la mayor carga emocional y significativa de su obra.

BREVE ANÁLISIS

Vemos dos personas asomadas cada una a una ventana. La de la izquierda, es una mujer con la cara en sombra, parcialmente oculta por la persiana. La de la derecha, tiene la cara totalmente tapada por la bandera de Estados Unidos, que ondea sujeta a la ventana izquierda. En medio de ellos la pared de ladrillos les rodea.

Aparentemente es una fotografía sin importancia, donde el fotógrafo no se ha preocupado de captar los rostros de los personajes. Sin embargo, esa falta de precisión no es casualidad, sino una cuidada planificación en la intención estética del fotógrafo. Éstos parecen totalmente marginados por la sociedad en la que viven, donde la bandera, el marco de las ventanas, los ladrillos y el encuadre muy cerrado, actúan como auténticas metáforas de la opresión ideológica en la que viven.

Néstor Díaz

viernes, 19 de julio de 2013

ILUMINAR NO ES ALUMBRAR

Siempre hemos sabido que preparar una sesión de fotos es una labor compleja, que requiere de una planificación igualmente compleja para conseguir un resultado óptimo, de manera que la luz esté en su sitio y los modelos queden perfectamente iluminados por los flashes correspondientes. Esto puede ser verdad en muchas situaciones, pero no siempre. Y es que para iluminar no se necesita toda la luz disponible para que nuestro retratado quede bien. Dependerá de cada situación.

Esto que estoy diciendo es una obviedad para los entendidos, pero no para los profanos en la materia. Para ellos, una fotografía que no esté bien alumbrada, valga la expresión, es decir, que parte del cuerpo o de su rostro no quede visible, es sinónimo de perversión estética y, por tanto, la foto está mal hecha.

En realidad, la luz es la que describe el tiempo, el espacio y el sentido estético de la imagen fotográfica. Y según sean nuestras necesidades, dispondremos de ella como queramos para construir nuestro discurso. Un ejemplo claro de este uso deliberado de la luz, está en el cine negro de los años 40 del siglo pasado. En ella, los directores, alentados por la corriente Expresionista, usaban el claroscuro para escenificar ambientes tenebrosos y caracterizar a los personajes, que siempre eran comúnmente corruptos y miserables.

Néstor Díaz

viernes, 5 de julio de 2013

RETRATO

viernes, 28 de junio de 2013

LA NUEVA COMPETIDORA DE LA LEICA M9

Desde finales del siglo XIX, los fotógrafos documentalistas empezaron a recorrer las calles para registrar todo tipo de acontecimientos, desde los más cotidianos hasta los más trascendentales. Fueron fotógrafos como Jacob Riis, Lewis Hine, Erich Salomon, Robert Capa, Henri Cartier Bresson, Robert Frank o Robert Doisneau los que fotografiaron con su particular visión la historia del pasado siglo. Pero el instrumento más utilizado para reflejar dichos acontecimientos, fue una cámara que marcó una filosofía particular de hacer fotografía: la Leica M. La primera cámara de 35mm que por su ligereza y pequeño tamaño, permitió a los fotógrafos pasar casi desapercibidos en su actividad. Dicha cámara ha soportado el paso del tiempo y, con la entrada del siglo XXI, y el fulgurante avance tecnológico en fotografía en todas las marcas, Leica ha tenido que readpatarse a la nueva tecnología digital, pero manteniendo su línea más tradicional y selecta.

En este sentido, en este año 2012, la marca japonesa Fujifilm ha puesto en el mercado la cámara fotográfica Fujifilm X-Pro1; una cámara concebida con la misma filosofía que su competidora en sus líneas esenciales. Esto marca un hito alimentado por la reciente tendencia a reeditar con las nuevas cámaras la linea más retro. Sin duda, es ahora mismo una de las cámaras ideales para el fotorreportero, resultado final de una filosofía que empezó con las más simple Fijifilm X100.

En la imagen de la izquierda (Leica News & Rumors), la Fujifilm X-Pro1 junto a la afamada Leica M9. Arriba, su antecesora, la Fujifilm X-100 (Photo Rumors); cámaras ideales para fotografía de calle.

Néstor Díaz.

viernes, 21 de junio de 2013

VÍDEOS

En estas dos interesantes entrevistas de naturpixel.com, Andoni Canela y Tino Soriano, fotógrafos de National Geographic y de naturaleza respectivamente, disertan sobre el futuro de la profesión y su readaptación a los nuevos tiempos: Entrevista a Andoni Canela; Entrevista a Tino Soriano

Historia de la Fotografía (Canal Historia).

viernes, 14 de junio de 2013

LA FOTOGRAFÍA CALLEJERA

Taller impartido por el fotógrafo Gianfranco Tripodo, dónde se explica el proceso de realización de un reportaje documental: Street Photography

viernes, 7 de junio de 2013

AFICIONADO VERSUS PROFESIONAL

Desde que apareció el boom de la fotografía digital a mediados del siglo pasado, hemos asistido a una expansión sin igual de la afición por la fotografía que no se conocía desde finales del siglo XIX, cuando George Eastman inventó la KODAK, permitiendo la adquisición de una cámara a cualquier ciudadano de a pie, con la célebre premisa: Usted apriete el botón, nosotros haremos el resto.

Gracias a la aparición de la fotografía digital, que ha supuesto una verdadera revolución tecnológica para la creación artística, y lo que era hasta hace poco más de una década un lujo para los profesionales y unos pocos aficionados, ahora se ha democratizado el acceso a todo tipo de cámaras tanto compactas como reflex, gracias a la bajada de los precios y a una imparable evolución tecnológica que no cesa, atrayendo a más y más aficionados y profesionales, seducidos por las últimas mejoras técnicas.

La demanda de cursos de fotografía ha aumentado de forma exponencial y gracias a Internet se han ido creando sitios web, blogs, redes sociales, etc, que poco a poco han ido conformando una cultura en red, estableciendo verdaderos foros de opinión entre aficionados y profesionales, lo que ha permitido un intercambio de conocimientos en ambas direcciones.

Y como pasa en otras disciplinas artísticas, la aportación del aficionado ha sido determinante para el desarrollo de la fotografía. Fueron los aficionados, inventores, curiosos, o como se les quiera llamar, los que allá por 1839 presentaron al mundo la invención de la primera cámara fotográfica: el daguerrotipo, en honor a Louis-Jacques Mandé Daguerre. Luego, aquellos se convirtieron en profesionales, otros siguieron siendo aficionados y otros por alguna u otra razón, abandonaron el oficio.

Lo que no hay duda es que los aficionados son los verdaderos fundadores de la fotografía, pero creo que hoy día, y por culpa de las marcas comerciales, algunos, no todos, nos preocupamos más por tener el último modelo de cámara, que de hacer buenas fotos.

De Fotografía

Néstor Díaz

sábado, 1 de junio de 2013

PRESENTACIÓN

Bienvenidos, amigos. Aquí comienza mi trayectoria artística centrada en el retrato para personas con estilo en Canarias, como actividad profesional. ¿Por qué con estilo? Porque creo que el estilo personal en un retrato tiene que ser el ingrediente esencial para que una imagen sea auténtica y fiel reflejo de la personalidad del retratado.

Néstor Díaz